- Eva Yerbabuena es una bailaora flamenca y coreógrafa española.
Con 12 años empezó a bailar con Mario Maya, Enrique y Angustillas y al acabar sus estudios de Arte Dramático, viajo a Cuba para aprender coreografía.
En 1985, esta mujer empezó a trabajar en la compañía de Rafael Aguilar, y en 1987 trabajó en la compañía de Paco Moyano. En 1990, empieza a trabajar con artistas más prestigiosos como Manolete ("Amor Brujo") o Javier Latorre ("La Fuerza del Destino"), entre otros y siete años después se la ve en la gran pantalla en el documental "Flamenco Women" cuyo director es Mike Figgis, combinando esta con la coreografía de "La Garra y el Ángel". Al año siguiente, estuvo presente en la ciudad central de Nueva York y en el Teatro Real de Madrid como artista invitada en el "Ballet Nacional de España" impulsándola a crear su propia compañía, presentándose en la "X Bienal de Flamenco de Sevilla", estrenando así su primer montaje "Eva". En ese mimo año, comparte cartelera con Mikhail B. como motivo del 25º aniversario de su compañía, teniendo la oportunidad de compartir las tablas con Ana Laguna, Marie-Claude Pietragalla y Sylvie Guillem. En el 2000, estrena con su compañía "5 mujeres 5" en "XI Bienal de Flamenco".
Eva recibe por parte de la Crítica Nacional de Flamenco, los premios Flamenco Hoy" (en los años 1999, 2000 y 2001) como mejor Compañía 2000 y mejor bailaora y por parte de Canal Sur, el premio "El Público".
En 2001 aparece en la película "Hotel" invitada por Mike Figgis de nuevo.
Recibe el premio "Nacional de Danza 2001" y en 2003 recibe el de "Time Out" con tan solo 31 años, los cuales junto con todo su recorrido, la ayudan a alcanzar la "cima" siendo una de las grandes figuras del baile flamenco del siglo XXI.
Realiza una gira por Estados Unidos en el año 2002, al acabarla, estrena "La Voz del Silencio" y gracias a ella, consigue el premio Giraldillo de la XII Bienal de Flamenco a la Mejor Bailaora.
En 2004 estrena "A Cuatro Voces" y en el 2005 participa en el Festival de Otoño de Nueva York, representando a la danza flamenca, y recibe por ello dos premios Max de las Artes como mejor intérprete de danza y mejor espectáculo de danza gracias a "Eva, a cal y canto".
Su última gira fue en 2006 entre los meses de Febrero y Marzo por Asia y Oceanía y en Octubre, se presentó a la XIV Bienal de Flamenco.
Aquí tenemos un ejemplo de su arte: https://www.youtube.com/watch?v=KLDSN-4iIms
1.-¿De qué época estamos hablando?
- El Ballet que interpreta se estrenó en 1877.
2.-¿Qué tipo de técnica se usa?
- La técnica que se utiliza en este Ballet, es Ballet Clásico con predominio del uso de la punta, pas de deux y las piruetas, es una danza bastante complicada de representar requiriendo muchas horas de duro entrenamiento.
3.-¿De quién es este ballet?
- Este Ballet está basado en el Ballet del "Lago de los Cisnes", pero con una trama más actual y realista e incluso más trágica y psicológica, por lo tanto el compositor de este Ballet es Tchaikovsky.
4.-¿De qué trata el ballet?
- El Ballet trata de una chica pura, dulce y virginal que está atrapada en el cuerpo de un cisne blanco, y a pesar de sus deseos por conseguir la libertad, ella solo la puede conseguir a través del amor, el cual puede romper el hechizo. Su deseo casi le es concedido en la figura de un príncipe pero antes de la declaración de amor hacia ella de éste, el cisne negro, su lujuriosa rival, le engaña y le seduce. La desolación, del cisne blanco por este suceso, la lleva a arrojarse por un acantilado provocando su muerte, pero con la muerte, encuentra su libertad.
5.- ¿Qué comparativas hace con la realidad la película? ¿Estás de acuerdo? Razona.
- La trama compara la vida que llevan los bailarines, muchas veces se meten tanto en el papel que confunden quien es el personaje ficticio y quien es la bailarina o bailarín real. Se que para ser bailarín/a profesional requiere muchas horas de duros entrenamientos, dietas y demás, pero a veces me parece excesivo, creo que en muchas ocasiones sobrecargan al intérprete obsesionándolo y haciéndole caer en lo que cae nuestra protagonista Nina, en su propia destrucción, luchando en todo momento consigo misma para llegar a ser la perfecta protagonista.
- Por una parte, creo que es interesante que la hayan declarado como un interés cultural ya que se asegura que esos bailes tradicionales andaluces no van a desaparecer.
Pero por otro lado, creo que no deberían ser un patrimonio ya que al ser danzas tradicionales es muy complicado que se pierdan ya que por el hecho de ser tradicionales, suelen estar presentes en las fiestas o en actos como conmemoración del lugar, por lo tanto no haría falta declararla de esta manera.
- Este ballet consta de dos actos, el primero tiene tres escenas y en el segundo acto se encuentran las dos últimas escenas.
-Acto 1: La familia Shtalbaun, realiza un fiesta la noche antes de Navidad. Recibe a sus invitados, y entre ellos aparece un mago, el cual es Drosselmeier, el tío de los niños Shtalbaun. Este les muestra a los pequeños un teatro de marionetas y se las piden a su tío, pero este les regala un muñeco cascanueces, el cual Fritz Shtalbaun, se lo quita a su hermana Clara y lo rompe, pero el tío consigue arreglarlo. La fiesta navideña finaliza, los invitados se marchan y Clara se va a dormir. Clara se despierta, agarra su muñeco cascanueces y se vuelve a dormir, pero pronto vuelve a despertar y ve como su tío hace aparecer unos ratones guiados por un rey (ratón) y empiezan a luchar contra unos soldaditos de plomo que han aumentado considerablemente de tamaño al igual que todo al rededor de Clara. Van ganando los ratones, ha quedado solo el muñeco cascanueces ante ellos y como lo acorralan, Clara les lanza un zapato y los espanta, el muñeco cascanueces se convierte en un príncipe. La habitación se convierte en un bosque invernal, y la estrella del árbol de Navidad atrapa a Clara y al príncipe y los lleva a la cima del árbol.
-Acto 2: En el trayecto hacia la cima, aparecen los ratones de nuevo y entablan una nueva batalla en la que vence el príncipe. Siguen subiendo y al llegar al reino de los juguetes aparecen 12 pajes, los cuales les preparan una fiesta en su honor. Al llegar al reino de las golosinas, aparece la reina de los Dulces que los esperaba con un espectáculo en el que varios bailarines pertenecientes a distintas partes del mundo bailan para ellos (Clara y el príncipe). Finalmente Clara se despierta viendo que todo ha sido un sueño. Sus padres van a buscarla para que se despida de su tío que regresa a su taller de relojes y muñecos.
- Presenta un tipo de baile llamado Escuela Bolera que es el auténtico Ballet Clásico Español. Éste (presente en el vídeo) es realizado con zapatos de tacón, aunque también puede ser interpretado con zapatillas de Ballet de media punta, el cual tendría una mayor dificultad técnica. Hay una coordinación presente de braceado español y pasos ejecutados con los pies, los cuales realizan numerosas florituras y baterías.
- Carmen, es una gitana rebelde, provocativa, la cual es interpretada por una soprano y es la voz solista. Lleva una falda roja con volantes que la hace destacar ante el vestuario blanco del coro y está colocada en todo momento en el centro de un semicírculo formado por los integrantes del coro.
- En el siglo XVIII, Franz Hilferding, junto a Gasparo Antolini y Jean Georges Noverre abrieron paso al ballet de Accion o ballet-pantomima con una gran obra coreográfica, que sin dejar de lado la técnica, añadieron la pantomima, eliminaron los recitativos y consiguieron darle a la coreografía unidad y coherencia.
- El ballet de Acción y la ballet-pantomima es lo mismo, pero, según Jean Georges Noverre, es más adecuado llamarlo como este último.
El ballet-pantomima se refiere a narrar una historia mediante la expresividad del cuerpo en su máximo esplendor con la danza, sin necesidad de usar el habla o el diálogo en escena. Así expresa los sentimientos propios del ser humano usando movimientos dinámicos y grupos simétricos reflejados en todo el cuerpo del bailarín mediante la coreografía. A diferencia del Barroco, en el siglo XVIII se utilizan menos adornos (vestuario más ligero, supresión de pelucas y máscaras, atrezzo menos recargado...), los integrantes del espectáculo danzario mantienen una relación entre ellos y se sustituye la representación rutinaria por el buen gusto.
Fue dirigido por los grandes maestros de la danza del Clasicismo: Gasparo Angilioni y Juan Georges Noverre. Empezó a representarse en el siglo XVIII, mediante las óperas-ballets y comedias-ballets de Lully, Pierre Beauchamp y Molière durante el reinado de Luis XIV.
- El padre de la danza es Jean Georges Noverre (1727-1810).
- El Día Internacional de la Danza se celebra el 29 de Abril de cada año, desde 1982, fecha elegida en honor a Jean Georges Noverre (antes nombrado como padre de la danza) ya que fue el 29 de Abril fue su fecha de natilicio.
Esta celebración pretende atraer la atención hacia el Arte y la Cultura de la Danza de un público que inusualmente frecuenta este tipo de espectáculos en el transcurso del año.
- Lully, uno de los mejores bailarines y compositores de la corte, a sus 54 años, marcando el compás (aspecto con el que estaba obsesionado) con un pesado bastón, el cual tenía una afilada punta en el extremo inferior, se lo clavó en el pie. Su única salvación era cortarle la pierna para evitar que la gangrena le llegase al corazón y así evitar su muerte, ya que la herida se infectó gravemente. Pero como era bailarín, se negó y, estando en cama, vio pasar su vida desde que fue aceptado como compositor en la corte de Luis XIV, conocido también como "EL Rey Sol", debido a su gran actuación como Apolo; o "El Bailarín", debido a su gran pasión por el baile y ser un gran bailarín. Lully, junto con Molière, trabajaba componiendo ballets de cour, óperas-ballets, comedias-ballets... Estas divertían y entretenían al rey pero empezaron a disgustar a su madre, Ana de Austria, y a los devotos que, junto a su primo, querían evitar que el rey reinase solo ya que según su madre no sabía más que tocar la guitarra, luchar y bailar y desconocía las funciones del Estado. A pesar de ello, nada ni nadie le impidió reinar solo, dedicando principalmente su vida al baile, llegando a fundar "La Academia Real de la Danza". En el año 1670, a sus 32 años, decide dejar de bailar cuando, en una de sus actuaciones, dio un mal paso doblándose el pie, lo que llevó a decidirlo.
Las obras de Molière, escritor de la corte y compañero de Lully, fueron las que ofendieron a los devotos y a la reina madre, los cuales presionaron al rey Luis XIV para que las prohibiese debido a su excesiva burla hacia el clero. Poco antes de la muerte de Molière, Lully decide quedarse con sus obras, ya que compuso música para ellas y el rey le dio el visto bueno. Lully continuó solo sin la compañía de Molière y prohíbe que haya en escena más de 2 instrumentos y más de 2 voces. Finalmente, Molière muere mientras ejecutaba una de sus propias obras (en la cual no siguió las instrucciones de Lully), ya que desde un tiempo más atrás se veía enfermo por su tos continua.
- Se trata de un drama del siglo XVII. En la película se muestra principalmente la pasión y devoción hacia la danza por parte de Lully y el rey Luis XIV, además del amor platónico de Lully hacia el rey. Abarcando desde que Lully comenzó a trabajar para el rey, por lo tanto desde el principio de su reinado, hasta la muerte del compositor.
- Luis XIV (apodado Rey Sol por su papel de Apolo en el "Ballet Royal de la Nuit" en 1653), en 1661, fundó la "Academia Real de la Danza" (de la cual era director), bajo la dirección de su propio maestro de baile, Pierre Beauchamp, a quien el propio rey nombró superintendente.
- Beauchamp, ha asentado las bases del buen baile, desarrollando también un sistema de escritura de la danza, donde codifica entre otras, posiciones de los pies y los brazos. En 1701 publicó una coreografía de la danza llamada "El Arte de la Escritura de Caracteres, Cifras y Signos Demostrativos" traducido al Inglés y al Alemán y considerado como uno de los libros más importantes sobre el arte de la danza del siglo XVIII.
Giga:
- Es una danza folclórica alegre de sociedad, de origen probablemente inglés. Está acomodada principalmente en la tradición irlandesa, pero las gigas fueron muy populares también en Escocia e Inglaterra desde 1500 hasta 1600. Relacionadas con las danzas modernas de zuecos de Inglaterra, fueron utilizados a menudo en el teatro. La giga inglesa, que se baila sobre dos tubos de arcilla cruzados, se parece mucho a la danza de la espada de Gillie Callum de Escocia. La giga se adoptó en Francia en la corte de Luis XIV, donde se convirtió en una danza de parejas más tranquila.
Los intérpretes, uno o dos solistas, realizan pasos rápidos, saltados y muy complejos con una música en compás de 6/8, 12/8, 3/8, 9/8.
Su ejecución y composición musical fue evolucionando usando principalmente instrumentos de cuerda en especial el laúd; John Bull, William Bird o Giles Farnaby fueron algunos de los compositores que más contribuyeron a la evolución de esta danza.
No se dice mucho sobre los estilos de los trajes, pero aun en el siglo XVIII e incluso a principios del siglo XIX, no existía un traje irlandés. Las mujeres simplemente se ponían sus mejores vestidos y quizá se adornaban ellas mismas con flores coloridas y cintas en forma de cruz. Sin embargo, pronto los vestidos de danza irlandeses sufrirían enormes cambios.
Aquí tenemos un ejemplo: https://www.youtube.com/watch?v=8IhDRN73y6o#t=59
También tenemos un ejemplo de giga en el movimiento final de la sonata de J. S. Bach.
Minueto:
- El Minueto es una danza tradicional del Barroco y es originaria de Francia (Poitou) y se desarrolló entre 1670 y 1750. Fue introducida con el nombre de minuet en la corte francesa por Jean-Baptiste Lully (1673) que la incluyó en sus óperas y, a partir de este momento, formó parte de óperas y ballets.
Composición instrumental de ritmo ternario, en compás de 3/4, y moderado. Un paso de minueto comprende 2 tiempos y los 4 apoyos se reparten entre los 6 tiempos de manera variable, por ejemplo, según Rameau:
"1. 1 2: demi-coupé con el pie derecho.
2. 3 4: demi-coupé con el pie izquierdo.
3. 5: pas élevé con el pie derecho.
4. 6: pas élevé con el pie izquierdo."
-Otros prefieren la repetición siguiente:
"1. 1 2 3: demi-coupé con el pie derecho.
2. 4: demi-coupé con el pie izquierdo.
3. 5: pas élevé con el pie derecho.
4. 6: pas élevé con el pie izquierdo.
5. Los tiempos 4 a 6 forman entonces un pas de bourrée."
-Otros autores proponen el siguiente ritmo:
"1. 1 2: demi-coupé con el pie derecho.
2. 3: demi-coupé con el pie izquierdo.
3. 4 5: pas élevé con el pie derecho.
4. 6: pas élevé con el pie izquierdo."
Forma parte principalmente de sinfonías y sonatas presentando un carácter humorístico, siendo también, una de las danzas preferidas de Luis XIV y de su Corte.
Al principio, el minueto, usando un compás ternario, era bastante rápido, pero fue moderando su movimiento a lo largo del siglo XVII. El minueto se compone de dos secciones repitiéndose cada una de ellas. Esta danza forma parte de la Suite: se encuentra, generalmente, después de la zarabanda y antes de la giga. En su forma clásica el minueto comporta:
"1. Exposición: a) Tema con repetición; b) Vuelta al tema con repetición."
"2. Trío, después del segundo minueto."
"3. Reexposición de la primera parte sin repetición y con coda facultativa."
Es la única danza de la suite que se conserva en la sonata: en las sinfonías de J. Haydn y de C. Stamitz todavía pueden encontrarse algunos minuetos, pero desaparecieron rápidamente siendo sustituidos por el scherzo. En la época donde más fama cogió, era una danza ceremoniosa y lenta. Mientras que en la Corte y en la ciudad se las ingeniaban para reglamentar esta danza, en las provincias de daba, a menudo, muestra de un gran ingenio y originalidad.
Desde que Rameau escribió que "lo más apropiado que uno puede hacer es lo mejor. Cuando se sabe bailar el minueto perfectamente se puede, de vez en cuando, realizar algún cambio", el camino quedó abierto tanto a la concisión como a la improvisación.
La primera vez que se habla de minueto es en 1664 con Guillaume Dumanoir en su polémico tratado contra los maestros de danza de la "Academia Real de la Danza". El minueto hizo su aparición poco después en las óperas de Lully y su expansión se amplificó rápidamente. Pero hasta 1706 no se tiene la primera descripción precisa de la que da cuenta Raoul-Auger Feuillet en su "V Recueil de danses de bal pour l'anne 1707". Entre las obras más significativas del siglo XVII se encuentra "Le maître à danser" (París, 1725) del coreógrafo francés Pierre Rameau (1674-1748) que fue la mejor y más completa obra que se dedicó a este baile.
Los profesores de danza de la corte podían imprimir a la danza un estilo propio y una ejecución más conveniente para esta danza de sociedad.
El minueto había que bailarlo, los hombres, con una rosa en la boca, y las mujeres, tenían que llevar obligatoriamente tacones.
Después de un periodo de relegación, el minueto volvió a ponerse de moda en 1880. Pese a la aceptación que tuvo entre la sociedad, y la imaginación puesta por los profesores de danza, no sobrevivió más que unos 15 años, aunque se practicó hasta la llegada de la Primera Guerra Mundial.
Grandes compositores de la música clásica se han servido de ella para sus obras, como Wolfgang Amadeus Mozart en su "Don Juan".
Aquí tenemos un ejemplo: https://www.youtube.com/watch?v=4yurw5Cf4HY
Chacona:
- La chacona, de origen español, es una danza de 3/4, es decir, interpretada en tres tiempos que se baila de forma individual o en parejas, forma instrumental de cuerda generalmente de movimiento lento, en forma generalmente de variaciones, aunque existen diversos ejemplos en los que se utiliza la forma rondó; desarrollaba un tema melódico al que se aplicaban variaciones en el basso ostinato. No se sabe muy bien de donde evolucionó la Chacona, pero se cree que era un baile que se bailaba en los pueblos, es decir, domestico que pasó a bailarse en la escuela de danza cortesana.
Su origen, también deriva de Ameríca Latina como danza cantada, y fue muy popular en España e Italia durante el S.XVII difundiéndose por Eurapa en el mismo siglo. Monteverdi y Frescobaldi utilizaron ritmos más lentos del tipo zarabanda, muy al gusto de Lully, y eran usadas en sus obras escénicas. Ésta era de carácter alegre y vivaz y al siglo siguiente dio paso a una danza mas cadenciosa, es decir, la Chacona (como la Chacona de Bach), y por su forma ternaria, semejante a la pasacalle. Su semejanza es tal que Louis Couperin llamó a una pieza suya "Chacona".
Podemos encontrar Chaconas en las óperas de Lully y en diferentes obras francesas de la época, así como en la música alemana para teclado del Barroco. En este periodo, la chacona puede ser una pieza independiente o puede formar parte de la Suite. En esta época, no existen a penas diferencia entre la Chacona y el Pasacalle.
Johann Sebastian Bach compuso la célebre «Chacona en re menor» para acabar la Partita para violín solo n.º 2; Otro buen ejemplo se halla en la Chacona en sol menor para violín, de Tomaso Antonio Vitali, hijo de Giovanni Battista Vitali; y la Chacona en Sol menor para 4 instrumentos de cuerda de Purcell.
Algunos ejemplos: https://www.youtube.com/watch?v=JMhJ2zGwyhE
-Existen zonas de atención diferentes en el escenario. Zona más fuerte de concentración del público de más a menos.
- La zona de concentración máximo del público es el punto donde se cortan las rectas en diagonal desde un extremo a otro del teatro. La esquina inferior izquierda del teatro es el punto de concentración máxima y la esquina inferior derecha es la dramática mientras que la esquina superior izquierda es el punto débil de concentración de público junto a la esquina superior derecha. La esquina superior izquierda es la parte lejana, mientras que la esquina superior derecha es la parte futura. Tomando como punto de referencia el centro que como hemos dicho es la zona de concentración del público, la parte superior a ella se llama arriba y la inferior abajo.
